W tym artykule będę dalej opowiadać o granicach, sadystycznej dominacji i manipulacji. Funny Games Michaela Haneke zaczyna się od rodzinnej idylli, wspartej arią operową, której bohaterowie słuchają podczas podróży do kraju. house. Warto tu dodać, że pierwszy film ukazał się w 1997 roku, a 10 lat później Haneke nakręcił remake, w którym z obsesyjno-kompulsywną pedanterią powtarzał w moim artykule każdą klatkę, dialog i akompaniament muzyczny nawiązują do remake'u z Timem Rothem i Naomi Watts. Film rozpoczyna się od dwóch klatek z góry. Druga klatka jest kręcona w większym formacie, ale także, jak mówią operatorzy, „z punktu widzenia Boga”. Jeśli zwrócić uwagę, w głębokich filmach takie ujęcia zawsze są o czymś i wpisują się w scenę i całą historię. „Funny Games” od samego początku wprowadza widza w historię, jakby chciał powiedzieć: „Wiemy, że tam jesteś, że na nas patrzysz”. Linia ta będzie się rozwijać i znajdzie swoją kulminację. Widz z jednej strony zanurzony jest w opowieści dzięki umiejętnej atmosferze, zweryfikowanej pracy kamery, z drugiej strony wyraźnie mówi mu: „Uwaga! Oglądasz film!” To, jak reżyser bezkompromisowo przerywa kojącą arię operową, jak rozsadza uszy widza krzykami i ciężkimi akordami, jak rozmazuje po oczach wielkie czerwone litery, jakby mówił: „To jest film! ” – ale kontrapunkt jest na tyle dziwny i niezwykły, że nie działa na widza z dystansem, a wręcz przeciwnie – wciąga go w obraz, wzbudzając niepokój o bohaterów. Haneke od samego początku daje do zrozumienia, że ​​ta idylla, niczym czerwone litery niepasujące do estetyki kadru, zostanie przez coś zakłócona i zniszczona. Już wkrótce widzowi ukazuje się dwóch sympatycznie wyglądających młodych mężczyzn. W kolorze białym, w białych rękawiczkach. Podchodzi się do granej przez Naomi Watts Anny i prosi o pożyczenie jajek od sąsiadki, u której odwiedza. Ann z uśmiechem podchodzi do lodówki. Cała ta prosta scena stopniowo staje się napięta. Podobnie jak Dogville, Funny Games bardzo mgliście wskazuje na narastający konflikt w powyższej scenie. Najpierw powyższa postać, Peter, rozbija jajka przed wyjściem z domu. Ann jest nadal przyjazna i wkłada dla niego do pudełka jeszcze cztery elementy, ale on w swojej niezręczności upuszcza telefon komórkowy do zlewu, a on się wyłącza. Gospodyni zwraca się do młodego mężczyzny: „Zanim zniszczysz mi całą kuchnię, zabierz jajka i wyjdź”. I tak się dzieje, a potem z tła szczeka pies. Swoją drogą, szczeknęła trochę wcześniej, kiedy po raz pierwszy zobaczyła tych chłopaków, nie widzę sensu opowiadania tej sceny na nowo, bo napięcie buduje nie tekst, ale gra, atmosfera, rytm. zdjęcie. Zarówno Ann, jak i widz już rozumieją, że coś jest nie tak, ale nie potrafią wskazać co dokładnie. A ja proponuję obejrzeć chociaż początek filmu i wsłuchać się w swoje odczucia: jak i gdzie podczas oglądania tej sceny rodzi się w Tobie niepokój, jak się rozwija. Pomyśl o tym, co jest tego przyczyną? Będzie mi miło, jeśli podzielisz się swoimi spostrzeżeniami w komentarzach, jeśli zainspiruje to do dyskusji. Sugeruję wykonanie tego eksperymentu, aby nauczyć się reagować na swoje uczucia. Kolejnym etapem będzie ich analiza: czy są one adekwatne do sytuacji „tu i teraz”, czy też wynikają z projekcji z przeszłych doświadczeń itp.? Aby jednak dokonać analizy, ważne jest, aby móc ich usłyszeć i poczuć. Do Piotra i Anny dołącza drugi młody mężczyzna o imieniu Paweł. Wygląda niezwykle grzecznie i schludnie i pędzi w stronę klubów gospodyni, śpiewając jej pochwały. Paul prosi Annę, aby pozwoliła mu szybko pobiec i wypróbować miotacz: „jeden strzał”. Bohaterka czuje się nieswojo, to oczywiste. Jednak z jakiegoś powodu nie odmawia. Niezręczny? Albo straszny? Czy jest to niechęć do bycia niegrzecznym, czy strach przed czymś ukrytym? Pierwsze sprowadza nas z powrotem do rozmowy o „Dogville”, a drugie stawia pytanie: czy warto czekać, gdy pojawi się widmo zagrożenia? równolegle ze zwierzętami, wtedy zamarznięcie królika przed boa dusicielem dla usznego kończy się smutno =( Bierne oczekiwanie działa w naturze, gdy ofiary nie widać. Jeśli żyrafa, zebra, gazela - kogokolwiek zauważył krwiożerczy lampart, ofiarapróbuję zrobić nogi. Bo jeśli polujący drapieżnik już to widział, bierne czekanie nie ma sensu, pozbawiając go szansy na przeżycie, urocza gazela Thomsona może oczywiście mieć nadzieję, że zlituje się nad lwem swoją słodyczą. Ale obawiam się, że wtedy i tak zakończy swoje dni w jego żołądku. Nie jestem matematykiem, aby podawać statystyki dotyczące jej szans na spotkanie skruszonego mięsożercy, uważam, że są wyjątki. Internet pełen jest historii o przyjaźni wilka i człowieka, geparda i psa, kota i kurczaka, słonia i owcy, tyranozaura i małego mamuta. To prawda, uważam, że tak się dzieje, ale z reguły nie warto tego brać. Dlatego urocza i mądra gazela Thomsona wyciąga wnioski i albo próbuje zrobić durszlak z lwa z rogami, albo odchodzi jak Grace w „Dogville”. okazji do wysłuchania swoich uczuć i opuszczenia miasta było wiele, dlatego w tym filmie wydarzenia rozwijają się szybciej, pozostawiając bohaterom bardzo mało czasu na radykalne działania. A bohaterowie niestety tracą tę szansę. Sam reżyser powiedział o filmie, że: „pokazuje widzowi nie przemoc, ale swoje własne stanowisko wobec przemocy”. Michael Haneke w swoich filmach eksploruje głównie przemoc we wszystkich jej przejawach, czy to „Biała Wstążka”, zajmująca się faszyzmem; „Pianista” opowiadający o sadomasochizmie w seksie i życiu, czy „Miłość”, która w moim osobistym przekonaniu nigdy nie dotyczy tego uczucia. Sam Haneke powiedział: „W moim filmie chciałem pokazać, co dzieje się z człowiekiem, który widzi cierpienie bliskiej osoby… Przemoc nie interesuje mnie najbardziej. Pytanie o ludzi i ich uczucia. Miłość jako uczucie nie może być mniej brutalna niż cokolwiek innego.” Reżyser sprzeciwia się hollywoodzkiemu flirtowi z przemocą, którego było wiele wcześniej, a teraz na nim opiera się większość najwyżej ocenianych seriali, jak „Gra o tron”. ”, „Prawdziwa krew”, „Jak uciec od morderstwa” itp. Jego zdaniem najlepszym filmem o przemocy jest „120 dni Sodomy” Pasoliniego, ponieważ jest on całkowicie nie do zniesienia. Pewnie dlatego Haneke 10 lat po pierwszych „Funny Games” pojechał do Hollywood, aby partycypować w remake’u, będąc jego całkowitym opozycjonistą: „Nie da się zrobić filmu antyfaszystowskiego w faszystowskiej estetyce”. są pod wieloma względami potomkami Alexa z „Mechanicznej pomarańczy”, tutaj jest flirt w mowie i śnieżnobiałe garnitury, które rymują się z szatami sadystów z filmu Kubricka. I przypominam, że – tak, widz pokochał tych katów i morderców w Mechanicznej Pomarańczy, czytelnik pokochał ich w oryginalnym źródle Burgessa. W twórczości Haneke ukazani są oni jako większy demon zła, choćby dlatego, że głównymi bohaterami jest rodzina. Od nich zaczyna się historia, początkowo się do nich przyzwyczajamy. Mimo to osobiście widziałem w Internecie grupy, w których ludzie dyskutują o atrakcyjności, seksualności i uroku młodych mężczyzn w bieli. Bardzo wątpię, aby Haneke, w przeciwieństwie do Kubricka, próbował uzyskać podobny efekt. Te postacie nie emanują urokiem i charyzmą jak wielu fascynujących filmowych złoczyńców. Mam nadzieję, że wspomniane grupy w Internecie stanowią nieliczny wyjątek. Wracając do merytorycznej analizy filmu, zwracam uwagę na klatkę, która następuje po uzyskaniu pozwolenia na wykonanie jednego ciosu pałką. Widać w nim, jak Paul dosłownie odpycha bohaterkę, udając, że ją przeprasza. I znowu milczy. Jednak po krótkim czasie Ania nadal oświadcza, że ​​nie chce brać udziału w ich zabawach i prosi o opuszczenie. Jednak Paweł i Piotr nie reagują. Nie odpowiadają też na prośbę nowo przybyłego męża Ann (Tim Roth). Nie śmiem oceniać, jak można było uniknąć pułapki, w którym momencie i co należało zrobić, ale wydaje mi się pożytecznym eksperymentem, aby zastanowić się nad tym podczas oglądania filmu. Uprzedzam, że film jest naprawdę mroczne i obciąża duszę, ale jestem głęboko przekonany, że jest to kino trudne i głębokie, które warto obejrzeć, bo pokazuje różnorodność tego świata, otwiera drogę do nowych myśli, budzi rezonans, stawia pytania i popycha nas szukać odpowiedzi..